Nadia – Il mistero della pietra azzurra: 35 anni nelle profondità di un anime indimenticabile

Il 13 aprile 1990 una giovane acrobata circense faceva il suo debutto sugli schermi televisivi giapponesi, ignara che avrebbe lasciato un’impronta indelebile nell’industria dell’animazione. Nadia – Il mistero della pietra azzurra, seconda opera del regista Hideaki Anno prodotta dal compianto studio Gainax, compie 35 anni, un traguardo che merita di essere celebrato sia dai fan storici che hanno seguito le avventure di Nadia e Jean in tempo reale, sia dalle nuove generazioni che continuano a scoprire questo capolavoro.

Un’avventura senza tempo che ha conquistato generazioni

Ambientata durante l’Esposizione Universale di Parigi del 1889, la serie segue le vicende di Nadia, una misteriosa ragazza adolescente in possesso della leggendaria pietra azzurra, e Jean, un giovane inventore francese. Il loro incontro casuale si trasforma in un’epica avventura che li porterà a esplorare le profondità marine a bordo del Nautilus, affrontando la minaccia del malvagio Gargoyle e della sua organizzazione Neo-Atlantide.

Ciò che ha reso Nadia – Il mistero della pietra azzurra una serie così amata non è solo il fatto di essere ispirata a un soggetto originale di Hayao Miyazaki, così come sia tratta dalle opere di Jules Verne Due anni di vacanze, Ventimila leghe sotto i mari, Cinque settimane in pallone e L’isola misteriosa, bensì la perfetta fusione di elementi avventurosi, steampunk e romantici, il tutto condito da messaggi profondi sull’umanità, la tecnologia e l’ambiente. Nonostante siano passati trentacinque anni dal debutto televisivo, questi temi rimangono incredibilmente attuali, permettendo all’anime di parlare efficacemente anche alle nuove generazioni.

La galleria di personaggi indimenticabili: oltre Nadia e Jean

Sebbene i protagonisti principali catturino immediatamente l’attenzione, è l’eccezionale cast di personaggi secondari a conferire alla serie una profondità emotiva raramente vista nell’animazione dell’epoca. Il capitano Nemo, figura enigmatica e tormentata, rappresenta molto più di un semplice omaggio all’opera di Jules Verne: è un personaggio sfaccettato che combina la determinazione di un guerriero con il tormento di un padre che ha perso tutto. La rivelazione del suo legame con Nadia aggiunge strati di complessità alla narrazione, trasformando la sua missione da semplice vendetta a un viaggio di redenzione e protezione.

Il trio composto da Grandis, Sanson e Hanson inizialmente presentato come antagonista comico, subisce una delle trasformazioni più significative della serie. Partendo come cacciatori di tesori e ladri, gradualmente si rivelano alleati preziosi e figure quasi genitoriali per i giovani protagonisti. Grandis, in particolare, evolve da stereotipo della “femme fatale” a personaggio multidimensionale, con una storia di sofferenza personale e un inaspettato istinto materno. Sanson e Hanson, oltre alla comicità, mostrano talenti e sensibilità che li rendono personaggi a tutto tondo.

Non va dimenticata la piccola Marie, il cui rapporto con il suo “fratellone” King, il leoncino, rappresenta uno dei legami più puri e toccanti dell’anime. La loro presenza porta momenti di leggerezza in una trama che spesso si addentra in territori oscuri e maturi, ricordando allo spettatore l’importanza dell’innocenza in un mondo corrotto dalla guerra e dalla cupidigia.

Elettra, figura centrale nella seconda metà della serie, introduce un’ulteriore dimensione al dramma familiare di Nadia, complicando il suo già complesso viaggio alla scoperta delle proprie origini. La sua relazione con Nemo e il suo ruolo nella resistenza contro Neo-Atlantide la rendono un personaggio chiave nell’economia narrativa dell’opera.

Questi personaggi secondari non sono semplici comprimari: le loro storie personali, motivazioni e sviluppo emotivo contribuiscono significativamente alla ricchezza tematica di Nadia, creando un microcosmo di umanità che riflette le più ampie questioni sociali e filosofiche affrontate dalla serie.

L’arco narrativo delle isole deserte: la controversa parentesi della serie

Nessuna analisi di Nadia – Il mistero della pietra azzurra sarebbe completa senza menzionare l’arco narrativo delle isole deserte, spesso considerato il punto debole della serie. Questo segmento, che copre circa una dozzina di episodi (dal 23 al 34), rappresenta una netta deviazione sia in termini di qualità sia di tono rispetto al resto dell’anime.

Durante la produzione originale, lo studio Gainax si trovò di fronte a pressioni commerciali e vincoli di budget che portarono alla decisione di estendere la serie oltre il piano narrativo iniziale. Il risultato fu una sequenza di episodi con animazione visibilmente inferiore, trame filler spesso bizzarre e uno sviluppo dei personaggi che in alcuni casi contraddiceva quanto stabilito in precedenza.

Hideaki Anno stesso si distanziò parzialmente da questa parte della serie, delegando la regia ad altri membri dello staff. L’assenza della sua visione si nota chiaramente nella frammentazione narrativa e nell’abbandono temporaneo dei temi più profondi che caratterizzavano gli episodi precedenti.

Nonostante le criticità, l’arco delle isole deserte offre alcuni momenti significativi nello sviluppo della relazione tra Nadia e Jean, mostrando la loro crescita in un contesto isolato dalla grande avventura. Inoltre, alcuni elementi introdotti in questi episodi vengono poi recuperati e reintegrati nella narrazione principale una volta ripreso il corso originale della storia.

Questa parentesi controversa rappresenta un interessante caso di studio sulle difficoltà produttive dell’animazione giapponese dell’epoca e sulla tensione tra visione artistica e necessità commerciali. Molti fan considerano questi episodi non canonici, mentre edizioni successive dell’anime li hanno talvolta presentati come contenuti extra invece che parte integrante della serie principale.

L’eredità di Hideaki Anno: dalle acque del Nautilus agli abissi della psiche umana

Prima di rivoluzionare l’animazione giapponese con Neon Genesis Evangelion decostruendo, di pari passo, il genere mecha, Hideaki Anno mise la sua visione creativa al servizio di Nadia. Chi conosce entrambe le opere, infatti, non può fare a meno di notare i parallelismi: i protagonisti adolescenti alla ricerca della propria identità, i complessi rapporti familiari, la minaccia di una tecnologia fuori controllo e la riflessione sulla condizione umana, così come non mancano punti di contatto più espliciti tanto nei dettagli di un certo simbolismo quanto in alcune scene e musiche di accompagnamento.

Nadia – Il mistero della pietra azzurra è un’opera considerata da molti come il “prologo spirituale” di Neon Genesis Evangelion. Le tematiche esistenziali sono presenti in forma embrionale, ma già visibili nell’evoluzione del personaggio di Nadia, nella sua lotta per comprendere le proprie origini e nel suo rapporto conflittuale con la tecnologia. Il design di alcune macchine, la struttura narrativa e persino certi elementi visivi anticipano quello che sarebbe diventato il marchio di fabbrica di Anno. Non è un caso che molti fan considerino i due anime come opere complementari, che esplorano angoli diversi della stessa visione creativa e rendendo Nadia, soprattutto nell’arco narrativo finale, un’opera decisamente matura e adulta, quasi ad assurgere ad anticipazione del successivo Neon Genesis Evangelion.

La carriera artistica di Hideaki Anno rappresenta un percorso di evoluzione stilistica e tematica il cui seme germoglia indiscutibilmente in Nadia. Per comprendere appieno il significato di questa serie nel contesto dell’opera omnia del regista, è necessario considerare il suo background: Anno iniziò la sua carriera come animatore, collaborando a progetti iconici come Nausicaä della Valle del Vento di Miyazaki, dove si occupò della celebre sequenza del risveglio del dio Guerriero. Questa formazione sotto l’ala di Miyazaki è chiaramente visibile in Nadia, che infatti nasce da un concept originale dello stesso Miyazaki successivamente sviluppato da Anno in una direzione personale e distintiva.

In Nadia, Anno esplora per la prima volta in modo sistematico quelli che diventeranno i suoi temi ricorrenti. Il tema dell’isolamento sociale è incarnato dalla protagonista, figura prodromica del successivo Shinji Ikari (e anche di Asuka Sōryū Langley per il temperamento di carattere) di Neon Genesis Evangelion, straniera in un mondo che non la comprende completamente, costretta a portare il peso di un’eredità misteriosa e potenzialmente distruttiva – archetipo, appunto, ritrovabile in Evangelion.

La rappresentazione dei rapporti familiari è un altro elemento di continuità: la relazione tra Nadia e il capitano Nemo, con la sua rivelazione di un legame di sangue nascosto, prefigura il complesso rapporto tra Shinji e suo padre Gendō. In entrambi i casi, i padri sono figure enigmatiche, motivate da obiettivi più grandi ma emozionalmente distanti, che hanno abbandonato i propri figli seguendo un piano più ampio. Questa esplorazione della famiglia disfunzionale come microcosmo di una società altrettanto disfunzionale diventerà una delle cifre stilistiche più riconoscibili di Anno.

Sul piano visivo Nadia presenta già molti degli elementi che diventeranno caratteristici dello stile di Anno. L’uso di inquadrature inusuali, spesso con angolazioni estreme o composizioni asimmetriche, la predilezione per primi piani intensi sui volti dei personaggi nei momenti di crisi emotiva e l’alternanza tra sequenze di azione dinamica e momenti di contemplazione quasi estatica sono tutti elementi che troveranno piena maturazione in Evangelion. Particolarmente notevole è l’uso delle silhouette e dei contrasti cromatici nelle scene chiave, una tecnica che Anno perfezionerà nelle iconiche sequenze di introspezione di Evangelion.

Anche la struttura narrativa di Nadia anticipa elementi che diventeranno canonici nel lavoro successivo di Anno. La progressiva rivelazione di un mistero cosmico che trascende la comprensione dei protagonisti, la tensione tra il progresso tecnologico e la spiritualità ancestrale, e la rappresentazione di una tecnologia antica superiore a quella contemporanea sono tutti temi che verranno ripresi e approfonditi in Evangelion attraverso la mitologia degli Angeli e della razza tanto adamica quanto quella lilithiana.

Il simbolismo religioso, che diventerà poi predominante in Evangelion, è già presente in forma più sottile in Nadia attraverso i riferimenti ad Atlantide come civiltà ancestrale dotata di conoscenze quasi divine, e nell’iconografia della pietra azzurra stessa, che richiama sia il colore simbolico della spiritualità sia l’immagine della Terra vista dallo spazio. La discendenza aliena di Nadia, rivelata negli ultimi episodi, anticipa direttamente la cosmologia di Evangelion con la sua reinterpretazione della creazione umana.

Forse l’elemento più significativo che collega le due opere è l’approccio alla conclusione narrativa. Il finale di Nadia, con la sua combinazione di catastrofe apocalittica, sacrificio personale e inaspettata speranza per il futuro, stabilisce un modello che Anno esplorerà nuovamente, in forme sempre più complesse e ambigue, in Evangelion e nelle sue successive revisioni. La riconciliazione finale di Nadia con la propria identità e il suo ritorno a una vita semplice ma autentica con Jean possono essere visti come un primo tentativo di esplorare quell’idea di “ritorno all’essenziale” che sarà centrale nella filosofia esistenziale di Anno.

La stessa crisi creativa che Anno sperimentò durante la produzione di Nadia – particolarmente evidente nell’arco delle isole deserte – può essere interpretata come un presagio della ben più famosa crisi che influenzò gli ultimi episodi di Evangelion. In entrambi i casi, le limitazioni produttive e personali furono trasformate in opportunità per sperimentazioni narrative e visive che, pur divisive, contribuirono a definire l’unicità della visione artistica di Anno.

Considerando questi elementi, Nadia emerge non solo come un eccellente anime d’avventura, ma come un cruciale documento artistico che traccia l’evoluzione di uno dei più influenti registi dell’animazione giapponese. La serie rappresenta il momento in cui Anno, ancora operando all’interno di convenzioni narrative relativamente tradizionali, iniziò a introdurre elementi destabilizzanti e profondamente personali che avrebbero poi rivoluzionato il medium con Evangelion.

La colonna sonora: il genio musicale di Shirō Sagisu

Uno degli elementi che ha contribuito in modo determinante al successo e alla longevità di Nadia è indubbiamente la sua straordinaria colonna sonora, composta dal maestro Shirō Sagisu. Prima di diventare celebre internazionalmente per il suo lavoro su Neon Genesis Evangelion, Sagisu creò per Nadia un tessuto sonoro di straordinaria complessità e ricchezza emotiva, capace di esaltare ogni sfumatura narrativa della serie.

La main theme Blue Water nella sua versione strumentale è diventata un’icona dell’animazione giapponese, con il suo mix di elementi orchestrali, influenze etniche e sonorità marine che evocano perfettamente il senso di avventura e mistero della serie. I temi dedicati al Nautilus e alle scene subacquee creano un’atmosfera di meraviglia e scoperta, mentre le composizioni associate a Neo-Atlantide introducono elementi di tensione e inquietudine.

Particolarmente notevole è la capacità di Sagisu di adattare il suo stile ai diversi toni della narrazione: dalle allegre melodie che accompagnano i momenti di leggerezza tra i protagonisti, alle solenni e talvolta angoscianti composizioni che sottolineano i momenti più drammatici, fino alle maestose suite orchestrali dei climax narrativi. La colonna sonora di Nadia non si limita ad accompagnare le immagini ma contribuisce attivamente alla narrazione emotiva, amplificando l’impatto di scene chiave e definendo l’identità stessa della serie.

L’eredità musicale di Nadia è evidente nel successivo lavoro di Sagisu per Evangelion, dove molti temi e approcci compositivi vengono ripresi e sviluppati ulteriormente, creando una sorta di continuità stilistica tra le due opere di Anno.

L’eredità visiva e tecnica: un ponte tra ere dell’animazione

Dal punto di vista tecnico e visivo, Nadia – Il mistero della pietra azzurra si colloca in un momento cruciale dell’evoluzione dell’animazione giapponese, fungendo da ponte tra l’era classica e quella moderna. Il character design curato da Yoshiyuki Sadamoto rappresenta un perfetto equilibrio tra l’estetica degli anni ’80 e quella che avrebbe caratterizzato gli anni ’90, con personaggi dalle proporzioni realistiche ma dai tratti distintivi ed espressivi.

L’attenzione ai dettagli nelle ambientazioni, particolarmente notevole nelle sequenze ambientate a Parigi e all’interno del Nautilus, stabilì nuovi standard per l’accuratezza storica e tecnologica nell’animazione. I meccanismi steampunk, gli interni del sottomarino e le architetture della Neo-Atlantide mostrano un livello di complessità e coerenza visiva che aveva pochi precedenti.

Tecnicamente innovativa fu anche la gestione delle sequenze subacquee, con effetti di luce e movimento che simulavano in modo convincente l’ambiente marino, nonostante i limiti tecnologici dell’epoca. Le scene di battaglia navale e aerea introdussero tecniche di animazione dinamica che influenzarono profondamente lo sviluppo del genere avventuroso.

Non meno importante fu l’approccio alla regia di Anno, che già in Nadia sperimentava con inquadrature inusuali, tempi di pausa significativi e composizioni visive simboliche che sarebbero diventate il suo marchio di fabbrica in Evangelion. Le sequenze introspettive di Nadia, con il loro focus sui dettagli e sugli stati d’animo, anticiparono l’introspezione psicologica che avrebbe caratterizzato l’animazione giapponese nei decenni successivi.

Il lascito visivo di Nadia è riscontrabile in numerose opere successive, non solo dello studio Gainax ma dell’intero panorama dell’animazione giapponese, che ne ha assorbito lezioni sulla caratterizzazione visiva dei personaggi, sulla costruzione di ambientazioni credibili e sulla fusione di elementi tecnologici e naturalistici.

La ricezione internazionale: un fenomeno culturale senza confini

La storia della diffusione internazionale di Nadia – Il mistero della pietra azzurra rappresenta un affascinante caso di studio sulla globalizzazione dell’animazione giapponese. In Giappone, la serie riscosse un successo immediato, guadagnandosi il terzo posto al prestigioso premio Animage Anime Grand Prix nel 1991 e stabilendo nuovi standard per la televisione d’animazione.

In Europa, Nadia trovò terreno particolarmente fertile. In Francia, Paese in cui è ambientata parte della storia, l’anime venne accolto con entusiasmo, apprezzato anche per i suoi riferimenti alla cultura e alla letteratura francese. In Spagna e Germania divenne rapidamente un cult, influenzando una generazione di futuri creativi.

In Italia, dove la serie arrivò nel 1991, Nadia – Il mistero della pietra azzurra divenne rapidamente un fenomeno culturale, merito anche della splendida opening di Cristina D’Avena, un vero e proprio capolavoro musicale, contribuendo all’esplosione dell’interesse per gli anime nel nostro Paese. Per molti italiani, infatti, rappresentò la prima esperienza con un’animazione giapponese che trattava temi complessi e non si limitava al puro intrattenimento. L’opera rimase, così, fissata nell’immaginario collettivo e, a differenza di altri Paesi dove spesso gli anime venivano pesantemente modificati, l’edizione italiana mantenne relativamente intatta la narrazione originale, permettendo al pubblico di apprezzarne la complessità.

L’impatto di Nadia va ben oltre il suo periodo di trasmissione originale. La serie ha ispirato generazioni di creatori, influenzando anime successivi con il suo mix di avventura, fantascienza e temi profondi. Il suo design distintivo, curato dal già citato e talentuoso Yoshiyuki Sadamoto (che avrebbe poi lavorato anche su Neon Genesis Evangelion e sul manga di quest’ultimo), ha definito un’estetica che continua a essere riconosciuta e celebrata.

Negli Stati Uniti, la serie ebbe un percorso più travagliato, arrivando relativamente tardi (1996-1997) attraverso ADV Films, quando ormai Evangelion aveva già ridefinito la percezione dell’animazione giapponese nel Paese. Nonostante ciò, Nadia riuscì a conquistarsi una nicchia di appassionati, venendo rivalutata negli anni come un classico imprescindibile.

Particolarmente interessante è osservare come la ricezione di Nadia si sia evoluta nel tempo: se inizialmente era apprezzata principalmente come avventura per giovani spettatori, con il passare degli anni è stata oggetto di rivalutazioni critiche che ne hanno evidenziato la complessità tematica e la rilevanza culturale. Le diverse edizioni home video, culminate con i recenti restauri in alta definizione, hanno permesso a nuove generazioni di scoprire l’opera in tutta la sua qualità originale.

Un aspetto curioso della ricezione internazionale riguarda le diverse interpretazioni culturali di alcuni elementi della serie: il messaggio antimilitarista e ecologista, per esempio, è stato recepito con sfumature diverse a seconda del contesto socio-politico dei Paesi in cui è stato trasmesso.

Tuttavia, l’impatto di Nadia va ben oltre il suo periodo di trasmissione originale. La serie ha ispirato generazioni di creatori, influenzando anime successivi con il suo mix di avventura, fantascienza e temi profondi. Il suo design distintivo, curato dal talentuoso Yoshiyuki Sadamoto (che avrebbe poi lavorato anche su Neon Genesis Evangelion e sul manga di quest’ultimo), ha definito un’estetica che continua a essere riconosciuta e celebrata.

L’impatto del finale: una conclusione che risuona attraverso il tempo

Il finale di Nadia – Il mistero della pietra azzurra rappresenta uno dei momenti più potenti e discussi dell’intera serie, una conclusione che riassume e amplifica i principali temi dell’opera. Gli ultimi episodi, dopo il controverso arco narrative delle isole deserte, segnano un ritorno alla visione originale di Anno, con un drastico innalzamento della qualità narrativa e visiva.

La resa dei conti finale tra il Nautilus e Neo-Atlantide va ben oltre il semplice scontro tra bene e male, trasformandosi in una profonda riflessione sui cicli della violenza, sul prezzo della vendetta e sulla possibilità di redenzione. La rivelazione delle origini di Nadia e del suo legame con il capitano Nemo e con Atlantide stessa porta a compimento il viaggio identitario della protagonista, costringendola a confrontarsi con la propria eredità e a fare scelte decisive sul proprio futuro.

Particolarmente significativo è il modo in cui la conclusione affronta il tema della tecnologia: il sacrificio del Nautilus e la distruzione di Neo-Atlantide non rappresentano un rifiuto totale del progresso scientifico, ma semmai un monito sui pericoli di un uso distorto della conoscenza. Il messaggio finale, incarnato dalla nuova vita di Nadia e Jean nella Parigi di fine Ottocento, suggerisce la possibilità di un equilibrio tra sviluppo tecnologico e rispetto per la natura.

Dal punto di vista emotivo, il finale offre momenti di straordinaria intensità: la morte di personaggi chiave, le separazioni dolorose e le riconciliazioni inaspettate creano un arco narrativo che soddisfa lo spettatore pur lasciando spazio alla riflessione. Il tono agrodolce della conclusione, con il suo mix di speranza per il futuro e nostalgia per quanto perduto, rimane uno degli aspetti più apprezzati dai fan.

L’epilogo ambientato anni dopo gli eventi principali, con Jean e Nadia ormai adulti e con una famiglia, rappresenta una chiusura rara nell’animazione dell’epoca, offrendo un senso di completezza che contribuisce alla soddisfazione narrativa. Allo stesso tempo, le ultime parole e immagini lasciano intendere che l’avventura, in qualche forma, continuerà sempre, un messaggio che risuona perfettamente con lo spirito della serie.

Un messaggio ecologista sorprendentemente attuale

Tra i messaggi più potenti della serie c’è la sua forte componente ambientalista. Il rispetto per gli oceani e le creature marine, la critica all’uso sconsiderato della tecnologia e la rappresentazione di un mondo sull’orlo della catastrofe ecologica sono temi che, trentacinque anni dopo, risuonano con ancora maggiore urgenza.

Nadia anticipa con straordinaria lucidità molte delle problematiche ambientali che oggi dominano il dibattito globale. La rappresentazione del Nautilus come veicolo in armonia con l’ecosistema marino contrapposto alle macchine distruttive di Neo-Atlantide offre una potente metafora sulla relazione tra umanità e natura. Il capitano Nemo, con la sua filosofia di protezione degli oceani, incarna una sensibilità ecologica che solo negli ultimi decenni è diventata parte della coscienza collettiva.

Particolarmente significative sono le sequenze che mostrano la devastazione causata dalle tecnologie belliche sugli ambienti marini, con immagini di creature ferite ed ecosistemi distrutti che potrebbero facilmente appartenere a un documentario contemporaneo sullo stato dei nostri oceani. La serie non si limita però a denunciare: attraverso personaggi come Jean propone una visione alternativa di progresso tecnologico, basata sull’osservazione e sul rispetto della natura invece che sul suo sfruttamento.

Il legame mistico di Nadia con gli animali, in particolare con King il leoncino, sottolinea ulteriormente il messaggio di connessione tra tutte le forme di vita. Questo tema viene sviluppato fino alla rivelazione delle origini atlantidee di Nadia, suggerendo che l’umanità stessa è emersa dagli oceani e che il destino del mare è intrinsecamente legato al nostro.

La visione apocalittica degli ultimi episodi, con la tecnologia fuori controllo che minaccia di distruggere il pianeta, risuona oggi come un avvertimento profetico nell’era del cambiamento climatico e dell’inquinamento globale. La soluzione proposta dalla serie – un ritorno a uno stile di vita più semplice e in armonia con la natura – offre spunti di riflessione sorprendentemente pertinenti per il pubblico contemporaneo.

Questa sensibilità ecologica, unita a una narrazione avvincente, rende Nadia un’opera perfetta per essere riscoperta dalle nuove generazioni, sempre più consapevoli delle sfide ambientali che ci attendono. L’anime non si limita a predicare un messaggio ambientalista, ma lo integra organicamente nella trama e nei conflitti personali dei protagonisti, trasformandolo in un elemento essenziale della loro crescita e delle loro scelte morali.

Il fascino senza tempo di un’opera pionieristica

Tre decenni e cinque anni dopo dalla sua prima messa in onda in terra natia, Nadia – Il mistero della pietra azzurra continua a conquistare nuovi fan. La complessità dei suoi personaggi, la ricchezza delle sue ambientazioni e la profondità dei suoi temi la rendono un prodotto che trascende le mode e le tendenze passeggere.

In un’epoca in cui l’animazione giapponese ha raggiunto nuove vette di popolarità, riscoprire Nadia significa non solo rendere omaggio a un classico, ma anche comprendere meglio le radici di molte opere contemporanee che devono tanto alla visione pionieristica di Hideaki Anno e del suo team.

Che siate nostalgici che ricordano con affetto le avventure ma anche i momenti altamente commoventi di Nadia e Jean o nuovi spettatori curiosi di esplorare un capolavoro dell’animazione, questo trentacinquesimo anniversario è l’occasione perfetta per immergersi nelle profondità marine di una delle serie più influenti e amate della storia dell’anime.